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Al examinar hace ya algunos años la obra poética del boliviano Pedro Simoshe, por entonces cerrada con Bolero de Caballería (1985), creí escuchar en ella al menos dos voces: la de alguien covencido de que sus versos iban a correr de boca en boca, y de que la palabra “crea, canta y augura”, y después la de otro decepcionado con su oficio, que “fue ser nadie junto a las palabras”. No es difícil comprobar que con esa evolución ha tenido que ver el proceso de la poesía hispanoamericana de las últimas décadas.
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El Graffiti Movement alcanza Europa en los años 80 e irrumpe en Madrid a mediados de esta década, renovando el discurso mural tradicional. Dadas las peculiaridades sociales y urbanísticas de sus barrios, se implanta en Vallecas temprana y prolíficamente. Así, Vallecas se erige como un excelente exponente para descubrir el particular proceso de introducción y enraizamiento de esta modalidad de graffiti, sus calves conceptuales, organizativas y operativas, su evolución técnica, formal e iconográfica, las características sociológicas, espaciales y linguísticas que envuelven su desarrollo y los factores exógenos y endógenos que modelan esta muestra espontánea de la creación gráfica y la manifestación artística populares, al margen del arte institucional. Como base de este estudio, no obstante, se emprende la tarea de encuadrar el Graffiti Movement vallecano tanto dentro de la propia historia del movimiento, como de una cartografía del graffiti como medio de comunicación no oficial, pero tradicional, y de las grandes corrientes contemporáneas, tanto grafiteras antiestéticas sociales o estético-musicales.
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Close Listening: Poetry and the Performed Word brings together seventeen essays, written especially for this volume, on poetry readings, the sound of poetry, and the visual performance of poetry. While the performance of poetry is as old as poetry itself, critical attention to modern and contemporary poetru performance has been negligible, despite the crucial importance of performance to the practice of the poetry of this century. This collection opens many new avenues for the critical discussion of the sound and performance of poetry. Paying special attention to innovative work. More important, the essays collected here offer original and wide –ranging elucidatiions of how twentieth-century poetry has been practiced as a performance art. Introduction. Charles Berstein I.-Sound´s Measures 1. Letter on Sound. Susan Stewart. 2. The Aural Ellipsis and the Nature of Listening in Contemporary Poetry. Nick Piombino. 3. Praxis: A Political Economy of Noise and Information. Bruce Andrews. 4. After Free Verse: The New Nonlinear Poetries. Marjorie Perloff. 5. Ether Either. Susan Howe. II. Performing Words 6. Visual Performance of the Poetic Text, Johana Drucker. 7. Voice in Extremis. Steve McCaffery. 8. Toward a Poetics of Polyphony and Translatabilityl. Dennis Tedlock. 9. Speech Effects: The Talk as a Genre. Bob Perrelman. 10. Sound Reading. Peter Quartermain. III-Close Hearings/Historical Settings 11. Understanding the Sound of Not Understanding. Jed Rasula 12. The Contemporary Poetry Reading. Peter Middelton 13. Neon Griot: The Functional Role of Poetry Readings in the Black Arts Movement. 14. Was That “Different”, “Dissident” or “Dissonant”? Poetry (n) the Public Spear: Slams, Open Readings, and Dissident Traditions.Maria Damon. 15. Local Vocals: Hawaii´s Pidgin Literature, Performance and Postcoloniality. Susan M. Schltz Afterword: VWho Speaks: Ventriloquism and the Self in the Poetry Reading. Ron Silliman Audio Resources Bibliography
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I. Fundamentos teóricos. II. Estudios de literatura española. III. Estudios de literatura hispanoaméricana.
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A literatura de cordel é um importante meio de expressão popular com valor informativo, documental e de crônica poética e histórica. O cordelista ao mesmo tempo é poeta e jornalista, conselheiro do povo e historiador popular. Os relatos cordelianos de eventos do dia e os folhetos de acontecimentos são o foco deste livro que registra os cem anos nos quais o cordel foi um comentador ímpar dos fatos significativos do nosso país. Mark Curran selecionou mais de trezentos folhetos, e os apresenta neste belo acompanhados de uma reflexão sobre sua estrutura formal, seus temas, seus autores, sua história, sua condição de arte construída como eco da história oficial do país, e sobretudo como reflexo dos anseios, sonhos e esperanças de seu povo. Este belo estudo é acompanhado de reproduções de alguns dos folhetos analisados.
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En 1976 a poesía galega estaba a vivir un período de potentes cambios no que a renovación poética, ideolóxica e política camiñaban da man. A poesía estaba a decidir cál tiña que ser a súa relación coa realidade e cáles ían ser os camiños estéticos e formais a seguir, en pleno auxe da poesía epigonal socialrealista. Este mesmo ano xorde Rompente, o primeiro intento colectivo de renovar a poesía desde a convicción da vangarda permante. A súa proposta artellábase atendendo a catro principios elementais: comunicación, innovación, multidisciplinariedade e compromiso coa realidade. Fronte á poesía máis transcendente que logo ha callar nos anos oitenta, o grupo de Vigo aposta decididamente polo compromiso inmediato para servir como revulsivo na transformación da sociedade galega e por iso non lle ten medo ningún a transgredir calquera tipo de fronteira (formato, xénero, rexistro, temas, medio de expresión...). Neste artigo tentaremos explicar desde unha perspectiva historicista en qué consistiu Rompente.
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(1992). Argentina's secret poetry boom. Travesia: Vol. 1, No. 2, pp. 178-184.
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Reflexionar acerca de la “nueva” canción española como un espacio de contestación ideológica enfrentado con la canción de “consumo” y el artefacto “nacionalflamenquista” auspiciado por la gestión autoritaria es hoy un clisé crítico que requiere, para su depuración, de una exploración más rigurosa y sutil que dé cuenta, en los intersticios del género, de las verdaderas posibilidades de transgresión que éste instaura. En ese sentido, creemos que gran parte de la canción “popular” generada en España e Hispanoamérica en la década de los sesenta, y hoy plenamente vigente, no sólo viene a ampliar el espectro tematológico en los medios masivos de entonces hacia temas de mayor “compromiso” social, histórico y político, sino que, a través de su profunda vinculación con las corrientes poéticas coetáneas o inmediatamente anteriores –nos referimos específicamente a las generaciones de poetas “sociales” de los cincuenta y sesenta– problematiza la cuestión del lenguaje, en abierto distanciamiento con la canción de “consumo”, y socaba el statu quo con estrategias formales y conceptuales más engañosas y efectivas que las del grito “revolucionario”, de fácil saturación, cultivado también en gran medida por autores del mismo género. La canción, así, se abre como lugar de encuentro intertextual de múltiples discursos, el literario tradicionalmente considerado pero también aquellos “antipoéticos” (jergas varias, publicidad, etc.) jerarquizados como materiales creativos por las praxis poéticas arriba citadas.
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At its heart, the article presents a thoughtful exercise in stasis theory, carefully dissecting Habermas’s conception of the public sphere in an attempt to make it simultaneously broader and more accurate. Specifically, Fraser shares what she calls “revisionist historiographies” that problematize Habermas’s account of the historical development and transformation of the public sphere. These historiographies suggest that problems such as gender and class exclusion were always built in to the bourgeois public sphere, thereby undermining its utopian potential right from the start.
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